バベルの塔、音響、そして見出されぬ神

黄立行（スタンリー・ホァン）の「巴別塔（バベルの塔）」は非常に特別な曲で、私はこれを深く愛している。最近も、繰り返し聴いている。

それと並行するように、26年前に野尻真太氏によって監督開発されたゲームボーイ用ソフト『メタルギア ゴーストバベル』に没入し始めた。

私は「バベルの塔」という概念の正体を探求し始め、その結果として、この小さな実験的プロジェクトが誕生した。

BABEL TOWER SYSTEM ENGINE

これは、私が構築を試みた「音響のバベルの塔」である。 音響エンジンであると同時に、天へと至る塔を積み上げる小さなゲームでもある。

塔を高く積み上げるほどに、音は豊かに、そして混沌を極めていく。 システム自体の制御が失われる、その瞬間まで。

単なる問いから始まった。 もし「音」が単に再生されるものではなく、「建造」されるものだとしたら、一体何が起こるのか？

レイヤーを一つ追加するたびに、音は逸脱し、不安定さを増していく。 基礎的な波形から始まり、やがて反響、ノイズ、そして歪みへと変貌を遂げる。 ある臨界点を超えた時、音は境界を失い、判別不能な「空間」そのものへと化す。

最初の4層までは、まだ「理解可能」なサウンドデザインの範疇だ。 だが5層目以降、すべてが狂い始める。 インターフェース上のレイヤー名は異質なものへと変貌する。 「狂気の言語融合」、「塔の怨念」、「神の沈黙」……。

上方へと建造することは、一見、崇高な存在に近づいているかのように思える。 しかし実際には、このシステムが提示するのは別の路（みち）である。 ──強くなればなるほど、崩壊に近づく。 ──高くなればなるほど、維持は困難となる。

音が秩序を失い、言語が瓦解し、最後には「操作」という権限さえも剥奪される。 音は「今起きている事象」を告げる警告音へと変わり、システムの存在意義そのものが変質し始める。


視覚美学の観点において、 インターフェースはApple IIを彷彿とさせる高コントラストなグリーンのコマンドラインを再現した。 あらゆる操作が、80年代のデジタルの遺骸に対する考古学的なアプローチとなるように。 塔のデザインから滑らかさを排除し、無骨なピクセルブロックの積み重ねとした。 脈動する「███」のピクセルは、単なる図形ではない。それは音の「実体化された断片」である。

それはまるで、40年前のコンピュータが、呼び覚ますべきではない実験を執り行っているかのような光景だ。

最も異常な部分は、そのCLI（コマンドライン）にある。 通常のソフトウェアにおいて、ターミナルコマンドはシステムを精緻に制御するためのものだ。 だがここでは、入力されるキーワードは「呪文」に近い。

LOGOS、PNEUMA、AKASIC、KARMA……。

宗教、哲学、神秘学に由来するこれらの言葉は、システム内で音響的振る舞いと視覚的応答へと変換される。コマンドを入力するという行為は、操作から「干渉」へと変質する。

もちろん、この部分には「彩蛋（イースターエッグ）」を埋め込んである。仕様外の文字列を叩いた時、何が引き起こされるかは……誰にもわからない。😊

画面右側の「BIBLE」セクションは、さらにその先を行く。 そこには完全な文章は表示されず、漢字、仮名、記号が混ざり合った断片的な文字が生成され続ける。

それらに明確な意味はない。だが、システムの節奏に従って更新され続けるその様は、佐藤理氏の『LSD』における混濁した夢想のようだ。 高塔へと侵入した時点で、人類の語彙は意味を失う。 しかし、ある瞬間にそれは突如として明瞭になる。

「頂上には、何も無かった。」 あるいは、「I FOUND NOTHING AT THE TOP.」

人類が最高到達点に達した時、そこに神はいない。あるのは「SYSTEM FAILURE」のみだ。 リセットボタンは「Reset」ではなく、「崩壊」と呼ぶ。これは神話的な悲劇へのオマージュであり、一つの解脱である。

私はこれを、旧時代のテキストアドベンチャーゲームのようなスタイルで語りたい。 それは頂上を極めた探索者への答えであり、システム崩壊という名の「クリア」なのだ。

不停的爬 建筑一座高塔 (登り続け 高き塔を築く) 

不停的爬 證明他的偉大 (登り続け 己の偉大さを証す)

        孤独又让他 不停的堕落下來 (だが孤独が 彼を堕落させ続ける) 

                                   ── 黄立行「巴別塔」歌詞より

『創世記』において、バベルの塔は神に近づこうとする人間の企てを象徴し、塔の崩壊をもって終焉を迎える。

このシステムにおいて、その構造は再現される。 音の積層 → 言語の失効 → システムの拒絶。

唯一残されるのは、最も簡潔なメッセージ──「頂上には何もなかった」。


私はこのシステムの隙間に、絶えずテリー・デイビス（Terry Davis）の影を見ている。 孤独の中でTempleOSを構築した彼の偏執的な狂熱に、私は深い共鳴を覚える。 無人のデジタルの境界で、彼は自分自身のために孤独な祭壇を築いた。

この「バベルの塔」もまた、音楽や音響芸術を創造するためのものではない。 ただ、より高次の「沈黙」と密やかな対話を試みるための儀式である。

これは楽器ではない。ゲームでもない。純粋な音響芸術ですらない。 これはバベルの塔であり、精神を病んだ者の奥庭（バックヤード）だ。 それは正気を失い、言語が錯乱した詩のようなものである。


試用リンク： https://yagyuranzou.github.io/Babel_Tower_Sound_Engine/

取扱説明書： https://github.com/yagyuranzou/Babel_Tower_Sound_Engine/blob/main/MANUAL.md


Yagyu Ranzou 開発日誌

コメント

コメントを投稿

このブログの人気の投稿

佐藤理が描く崇高なる残響のLSD精汚美学

イメージ
佐藤理（Osamu Sato）は、日本の実験音楽と視聴覚芸術において、最も過小評価されながらも、最も独自の魅力を持つクリエイターの一人である。 Kraftwerk が電子音楽の「冷たい預言者」であり、Aphex Twin が「デジタル幻覚の悪童」であるとするならば、佐藤理は深夜にLSDで浸した筆で、古いCRTモニターの上にサイバーデリリウムの幻夢を描く日本の隠者である。彼の作品は常に、神聖でありながら穢れ、崇高でありながら堕落した矛盾した緊張感を帯びている。それこそが彼の最大の魅力だ。 多くのゲーム評論家やブログで語られてきた、ある神秘的な「精神汚染」ゲーム。実際には「精神汚染」と呼ぶのは正確ではなく、現代アートへの理解が不十分な人々が、ゲームプレイに対する固定観念を持っているだけである。 これこそ、伝説のPS1神作『LSD: Dream Emulator』。 中古市場では、プレイ可能なディスク1枚の価格がすでに5万～8万円に達する。初回限定版（OST CD付き）なら、軽く10万円以上だ。 現在ではエミュレーターで手軽に体験できるこの神作。画面が瞬時に切り替わり、モンスターを倒すわけでも、ジャンプアクションをするわけでもなく、ただ日本のアパートのリビングに落ちる。 壁は流動し、床は溶けた蝋のように変形し、窓の外にはギザギザの緑の丘。遠くから低い電子音の脈動が聞こえる――目的も結末もなく、ただ無限に漂う。これこそ佐藤理の脳内にある、真の夢のシミュレーターだ。ゲームとして定義することはできず、彼が音と映像で構築した信仰の入口であり、精粋（mind-fuck）の洗礼で、現代アートの崇高な残響に脳を完全に汚染される体験である。 佐藤理（Osamu Sato）、1960年京都生まれ。マルチメディアの魔術師で、決して主流には従わない。家族は代々写真家で、幼少期は仏教美術や大阪万国博覧会の未来主義に浸り、後に京都工芸繊維大学と嵯峨美術大学で写真とグラフィックデザインを学ぶ。1983年に初の環境音楽アルバム『Objectless』を発表し、すでにシンセサイザーで無重力の音景を描き出していた。 90年代にはOutside Directors Companyを設立し、ゲームの世界へ。1994年に『東脳』（Eastern Mind: The Lost Souls of Tong No...
続きを読む

『幽☆遊☆白書』、ダークなおとぎ話、そしてREAKTORベースの自作シンセサイザー

イメージ
最近、PS2のゲーム「幽☆遊☆白書 爆闘暗黒武術会」を遊び始めた。正直、かなり遅い。 もう20年近く前のタイトルだし、操作感も今の基準で見れば粗いし、バランスも決して良いとは言えない。でも、その不完全さのおかげで、逆にある感覚が立ち上がってくる。 あの、ダークなおとぎ話の中に入り込むような感覚だ。 そこで自分が引っかかったのは、かなりニッチな存在だった。 裏御伽隊。 そしてすぐに、一人のキャラクターにハマった。 黒桃太郎。 彼は主人公でもなければ、物語の中心に据えられるような存在でもない。戸愚呂という絶対的な敵に至る前の、いわば通過点にいるキャラクターだ。 でも、妙に引っかかる。 裏御伽隊は、日本の昔話のキャラクターたちの「歪んだ側面」から生まれた存在として描かれている。その設定がすごくいい。人間には誰しも暗い部分があるし、それは簡単に切り離せるものじゃない。 改めて『幽☆遊☆白書』を見返すと、自分は主人公側よりも、この脇役のチームに惹かれていることに気づいた。 人間はもともと、かなり厄介な生き物だ。頭の中に浮かぶ衝動や歪みを完全に抑えることなんてできない。それがいわゆる「人間性」だと思う。 アニメや漫画は、その見えない部分を表に引きずり出して、「キャラクター」として可視化してくれる。 その構造が面白い。 じゃあ、その「キャラクター性」をそのまま音にしたらどうなるのか。 裏御伽隊のメンバーそれぞれを、一つのマクロとして扱ってシンセを組んだらどうなるのか。 そう考えたところから、このシンセは始まった。 単なる見た目の引用ではなく、キャラクターの性格そのものを、音の構造として再構成する。 それを自分が一番使い慣れているREAKTOR 6で組み上げた。 黒桃太郎の三つの武獣装甲——猿・雉・犬。 これは象徴ではなく、三つのオシレーターに対応している。サイン波、ノコギリ波、三角波。 ノブを回すという行為は、どの形態を強くするかを決めているようでいて、実際には三つの波形の間でエネルギーと重みを再分配している。 単なるミックスではない。干渉だ。 魔金太郎は、劇中では力はあるがどこか単純なキャラクターとして描かれる。ここではスクエア波のLFOとして扱っている。 音そのものではなく、周期的に全体を叩く力。強くすると、構造全体がリズミカルに歪み始める。 死々若丸は、より直接的だ。 彼の...
続きを読む

魂斗羅、カセットテープ、Amstrad：AY-3-8912チップの三重の音声宇宙と現代ノイズ

イメージ
あるほとんど忘れ去られたバージョンの中で、 魂斗羅 は記憶の中の任天堂FamiComで遊んだものとは違う。 それはもっと遅く、少しぎこちなく、画面は粒子感が散らばった夢のように見える。 音はまるで壊れかけのラジオから染み出てくるようだ——音楽ではなく、「音楽になろうと努力している信号」だ。このバージョンは単なるダウングレード移植ではなく、80年代の家庭用コンピュータの残酷な現実を映す鏡のようなものだった：音は当たり前にあるものではなく、計算資源の残りかすだった。 ここが私たちの入り口だ。ここから、磁帯のヒスノイズの中へ滑り落ちていく。 Amstrad CPC 464では、ゲームは「再生」されるものだった。 Playボタンを押すと、磁帯が回り始め、白ノイズに近い音の連なりが溢れ出す。ここにはシンプルだが魅力的な事実が隠されている： あの時代、データとは音の符号化形態だった 。しかし本質的には音波である。 科学的な観点から見れば、磁帯は電磁信号の変化を保存している。 数学的な観点から見れば、これらの信号は離散的な波形符号化（0と1の時間系列）として理解できる。 哲学的な観点から見れば——境界が崩れ始める。 プログラムを「聴きながら」、ゲームを「再生する」。 この境界が曖昧な状態が、磁帯時代を奇妙な混種文明に変えた： ハッカーはオーディオローダー（audio loader）を使ってデータ転送速度を最適化し、芸術家は逆にデータを音の素材として操る——これが後のtape musicやglitch美学の原型となった。 言い換えれば、磁帯とは 音即ちデータの哲学装置 である。 Amstrad CPC 464に搭載されているのはAY-3-8912、三声道のプログラマブルサウンドジェネレーターだ。 同時代のZX Spectrum（特に初期の48K版）は基本的にブザー一つだけだった。 AYチップは三つの独立した声道、ノイズジェネレーター、音量制御を提供する。 それは「有限次元の音楽空間」に近い—— 三本のトラック上で周波数と振幅を配置できる、低次元の関数システムを操作しているようなものだ。 この制限はとてもクリーンであり、同時に残酷でもある。 まるで組合せ最適化問題を解いているようだ：三本の線でどうやって一つの世界全体をシミュレートするか。 それがCPCの音...
続きを読む